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Janis Joplin 2

Massive attack, moi, j'adore.

Le mouvement CoBrA

Cobra est un mouvement artistique créé à Paris en 1948.
Cobra est l'acronyme de « Copenhague, Bruxelles, Amsterdam » du nom des villes dont sont originaires les membres fondateurs (Asger Jorn, Karel Appel, Corneille, Constant et deux poètes belges, Christian Dotremont et Joseph Noiret).

Ce mouvement qui fut d'abord une réaction à la « querelle absurde » entre l'abstraction et la figuration a été dissout en 1951. Il n'a donc duré que 3 ans mais il est considéré comme le plus important courant d'avant-garde de l'après-guerre. 

Prenant l'expression spontanée comme point de départ pour créer une représentation tout à fait nouvelle et expérimentale, Cobra incarne la liberté recouvrée après la Seconde Guerre mondiale. Il se réfère à l'art populaire nordique, à l'art primitif, aux dessins d'enfants, à l'expressionnisme ou à l'automatisme surréaliste. _

L'abstraction lyrique 

L'abstraction lyrique est un mouvement né en France juste après la deuxième guerre mondiale en réaction vis à vis du cubisme, du surréalisme ou encore de l'abstraction géométrique, cette "abstraction froide" qui était jugée comme le contraire de l'abstrait avec ses figures géométriques connues : rectangles, triangles, droites... L'artiste puise en lui, sans règles prédéfinies, les ressources propres à faire naître sentiments et émotions chez le spectateur. Voir Nicolas de Staël. _

L'abstraction poétique

Dans la continuité de l’abstraction lyrique, l'abstraction poétique en propose une version plus onirique et poétique. Voir Raymond Attanasio, "le passeur de lumière", exprime sans contrainte un monde intérieur.

L'Art cinétique 

L'art cinétique se caractérise par l'utilisation de mobiles ou de machines en mouvement et par l'usage esthétique de phénomènes optiques. Il est présent en sculpture, par exemple avec Calder et ses célèbres mobiles, en peinture où on parle souvent d'Op'art et dans de nombreuses formes d'expressions artistiques allant de la joaillerie à l'architecture.

L'art cinétique a retrouvé un regain d'intérêt plus récemment dans les expressions artistiques multimédia. Ainsi, par extension, on parle aujourd'hui aussi d'art cinétique pour un défilement d'images fixes (diaporama), agrémenté de transitions plus ou moins spectaculaires, le tout généralement sonorisé. _

L'Art brut

Direct, spontané, cet art se caractérise par une invention d'une rare fraîcheur. Selon Jean Dubuffet, l'art brut représente " la forme la plus pure de la création ". Il inventa le terme d'art brut : brut parce qu'il n'a pas été transformé par la culture et qu'il est directement issu de la psyché. Comme un nerf à vif, l'art brut l'est aussi. _

Le op art

Op art ou "Art optique", est un terme utilisé pour décrire certaines peintures faites à partir des années 1960 et qui jouent essentiellement sur les effets d'optique que peuvent engendrer certaines formes ou certaines couleurs.
Pour construire ces effets optiques, les méthodes et matériaux sont multiples : assemblage de figures géométriques différentes, oppositions chromatiques, structures formelles répétitives, superposition de trames. On obtient ainsi une gamme d'effets : effets moirés, contrastes simultanés, effets d'augmentation et de diminution de la couleur et du ton etc...

Victor Vasarely, artiste né en Hongrie, fut une figure essentielle dans l'histoire de l'op art.

Si le op art a connu une durée de vie relativement courte, il faut toutefois reconnaître la portée de son influence sociale. Il a marqué de son empreinte l'industrie de la mode, la création architecturale, le monde des médias et la création graphique du XXème siècle.

L'art conceptuel

L'art conceptuel des années 1960/1970 est une forme artistique dans laquelle l'idée prime l'objet au point que la réalisation de l'œuvre n'est parfois même plus nécessaire. (Et là, je dis trop fort !).
Il concerne des artistes qui ont pour première exigence d'analyser ce qui permet à l'art d'être art, analyse qui elle même se conduit selon deux grandes orientations.

Pour certains, tout le cheminement intellectuel du projet a plus de valeur que l'objet présenté. Pour d'autres, il s’agit de limiter le travail de l’artiste à répondre à la question "Qu’est-ce que l’art ?" par les moyens de la logique. Sont ainsi utilisés des mots, des textes tirés d'affiches ou associés parfois à des photos ou encore à des objets dont le but consiste à interroger le spectateur sur la nature de l'art.

Le spectateur d'art conceptuel se trouve le plus souvent devant une proposition formulée à même le mur de la galerie, ou face à une installation dont le principe est de stimuler la réflexion.

De nombreux artistes de la deuxième moitié du 20ème siècle ont subi, à un moment de leur carrière, l'influence des idées de l'art conceptuel : Yves Klein, Daniel Buren...

Le minimalisme

Né aux Etats-Unis à la fin des années 1950, interprété comme une réaction au débordement subjectif de l’Expressionnisme abstrait et à la figuration du Pop art, le Minimalisme est caractérisé, entre autres, par un souci d’économie de moyens.

Les minimalistes réduisent les objets à leurs composants simples et basiques (carrés, cercles, triangles, lignes...) et limitent le nombre de couleurs. Ils sont peintres mais aussi sculpteurs ou créateurs d'installations. _

Dan Flavin, Untitled (To Donna 5a), 1971

Dan Flavin
Tubes fluorescents rose, jaune,

bleu et vert (244 cm)

agencés en carré dans un angle.

Donald Judd, Stack, 1972
(Pile) Installation
10 éléments superposés à équidistance
Acier inoxydable, plexiglas rouge
470 x 102,5 x 79,2 cm
...

Le pop art

Le pop art est un mouvement qui trouve son origine en Angleterre puis aux USA au milieu du XXème siècle. Il dénonce la consommation de masse à tout prix et présente l'art comme un simple produit à consommer : éphémère, jetable, bon marché... Les couleurs sont souvent vives et décalées par rapport à la réalité.
Le pop art utilise des symboles populaires, qui marquent l'inconscient dès l'enfance. De Mickey Mouse à Marilyn Monroe, en passant par Mick Jagger, l'admiration quasi généralisée de certaines idoles y est exultée de manière neutre ou non, selon l'artiste. La culture publicitaire de la société de consommation est une autre source d'inspiration. _
Ce mouvement a aussi perturbé le monde artistique à travers la remise en cause du principe d'unicité d'une œuvre d'art. Andy Warhol, considéré comme le pape du pop art, reproduisait les siennes par centaines, parfois même par milliers, ce qui heurtait les idées classiques attribuant à une œuvre sa valeur d'unicité.

Andy Warhol "Marylin sur fond bleu" (1964)

Andy Warhol a créé ainsi des séries de tableaux, ici les "Flowers", partant d'une photographie, qui ne se distinguent que par des nuances de couleurs ou des changements d'échelles. Les à-plats de couleurs appliqués ainsi pouvaient être décalés par rapport au motif, rendant celui-ci plus dynamique.

L'Arte povera

En 1967, en Italie, Alighiero Boetti, Mario Merz, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Michelangelo Pistoletto, Giulio Paolini participeront à une exposition collective «Arte povera», qui donnera son nom au mouvement.

Les artistes de ce mouvement créent et explorent des modes d'expressions "éphèmères" (installations, performances, assemblages...) ou utilisent des matériaux utilisés dans la vie courante ou des «produits pauvres» : sable, chiffon, terre, bois, goudron, cordages, toile de jute, vêtements usés, etc.

Le discours de l'arte povera, à l'origine, se veut contestataire, anti-moderne, et réagit contre l’art riche de la société de consommation tel le Pop art. De même le mouvement Arte Povera (qui se fonde sur la conscience politique de l’artiste et une idée de la « pauvreté » de l’art dans le sens d’une précarité nécessaire) s’est opposé directement à la sophistication volontairement froide et neutre du Minimalisme.

Artistes représentatifs :
Alighiero e Boetti, Pier Paolo Calzolari, Rossella Cosentino, Luciano Fabro, Lucio Fontana, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Piero Manzoni, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Gilberto Zorio

La figuration libre

Le terme de Figuration Libre a été inventé par Ben pour qualifier cette jeune génération d'artistes français avide de peinture et de liberté au tout début des années 80 : Combas, Di Rosa, Boisrond, Blanchard, Louis Jammes...

La Figuration Libre est axée sur les principes de spontanéité et de démocratisation de l'art. Elle puise son inspiration dans la bande dessinée, la science-fiction, le rock et l'environnement des grandes villes modernes. La figuration libre affiche une volonté d'innocence enfantine par rapport à tout ce qui concerne la culture et privilégie les couleurs vives, le travail rapide et présumé spontané. Elle se veut aussi être une forme de révolte plus ou moins affirmée contre la société contemporaine, notamment urbaine.

Artistes représentatifs :
Robert COMBAS, Keith HARING, Jean-Charles BLAIS, François BOISROND, Hervé Di ROSA, Pierre FRANCOIS, Louis JAMMES

Thèmes proches : art brut, art naïf, art singulier

Le Nouveau réalisme

Anthropométrie sans titre : ANT100 (1960) 

Yves Klein (1928 - 1962) est considéré comme un des plus

importants protagonistes de l'avant-garde artistique d'après-guerre.

Il est notamment connu pour son bleu (IKB pour International Klein Blue),

qu'il appliqua sur de nombreuses œuvres (toiles, sculptures, éponges...).

Parallèlement, il imagina d'utiliser le corps de jeunes femmes comme

«pinceaux vivants». Apposant l'empreinte de leur chair sur des supports

disposés à cet effet, elles réalisèrent des peintures parfaitement visibles :

des «Anthropométries». Les anthropométries servent "de passage à double

sens du visible à l’invisible, du matériel au spirituel et du charnel au divin".

L'hyperréalisme

L'hyperréalisme est un courant artistique (peinture, sculpture) d'origine américaine, caractérisé par un rendu minutieux de la réalité inspiré d'images photographiques. Dans les années 1960, dans la mouvance pop art, l'hyperréalisme adhère au réel par imitation de la technique précise des gros plans photographiques, tout en manipulant certains détails, amenant le spectateur à une réflexion sur la notion même de réalité.

Artistes représentatifs:
Robert Bechtle, Don Eddy, Chuck Close, Malcom Morley, Richard Estes

La figuration narrative

Le mouvement de la Figuration narrative est né en 1964, à l’occasion d’une exposition voulue par deux peintres, Bernard Rancillac et Hervé Télémaque, désireux d’offrir une alternative aux diverses abstractions qui dominaient alors la scène artistique internationale. D’autres artistes rejoignirent rapidement les deux premiers acteurs : Fromanger, Cueco, Arroyo, Adami…

Plus de quarante ans après le coup d’envoi, la Figuration narrative est entrée dans l’histoire de l'art. De nombreuses expositions sont organisées régulièrement qui démontrent l’importance de ce courant de la peinture dans la deuxième moitié du XXe siècle.

La figuration narrative est rattachée généralement au nouveau réalisme ou au pop art, mais avec moins d'idéologie et plus de traitement de l'anecdote. Parmi ses inspirations (cadrages, montages) on compte la bande dessinée, la photographie, la publicité, le cinéma, en fait, l'ensemble des images du quotidien. Les thèmes des œuvres sont également souvent rattachés aux scènes du quotidien et à des revendications sociales ou politiques.

Artistes représentatifs : Monory, Rancillac, Télémaque, Saul, Klasen, Arroyo, Adami, Erro, Fahlström, Fromanger, Cueco, des collectifs tels qu'Equipo Cronica ou les Malassis

Bernard Rancillac - Che Guevara

Le Néo-Géo

Le Néo-Géo (abréviation de Neo-Geometric) a remis au goût du jour les préceptes visuels du minimalisme, réadaptés au nouvel encodage linéaire de la société urbaine. Les peintres du néo-géo prolongent et actualisent les différentes recherches menées précédemment dans le domaine du minimalisme ou du op art.

L'art singulier

Le terme d'Art singulier est assez récent et recouvre plusieurs courants et styles tel que la Figuration libre, l'Art brut et parfois aussi l'Art naïf du XIXème siècle avec Le Douanier Rousseau par exemple. Les anglo-saxons utilisent les termes "Outsider Art" ou "Raw Art".

Artistes représentatifs :
Robert Combas, Keith Haring, Jean-Charles Blais, François Boisrond, Bernadette Leclercq, Hervé Di Rosa, Pierre François, Giovanni Abrignani, Armand Avril, Benjamin Bonjour, David Braillon, Ferdinand Cheval (le facteur Cheval), Aloïse Corbaz, Fleury-Joseph Crépin, Jean Dubuffet, Jules Doudin, Paul Duhem, Madge Gill, Ted Gordon, Martha Grünenwaldt, Johann Hauser, Raphaël Lonné, Augustin Lesage, Edmund Monsiel, Heinrich Anton Mueller, August Natterer, Camille Renault, André Robillard, Théo, August Walla, Aloys Wey, Scottie Wilson, Josef Wittlich, Adolf Wölfli, Carlo Zinelli.

On appelle Art contemporain

toutes formes, expressions

ou mouvements

 plastiques

durables ou éphémères

apparu depuis 1948.

Ci-dessus, je vous ai concocté 

un descriptif rapide de chacun de ces mouvements 

en essayant d'être le moins pompeux possible

pour les non avertis de l'Histoire de l'Art.

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Photonumérik érotik sur toile (Chaque oeuvre est numérotée et signée). 

Ambiance 70 (60x60cm) _ éd.(1/15)

Photonumérik érotik sur toile (Chaque oeuvre est numérotée et signée). 

Prostituée au bord de son lit orange (60x60cm) _ éd.(1/12)

Prostituée au bord de son lit rouge (60x60cm) _ éd.(1/12)

Prostituée au bord de son lit jaune (60x60cm) _ éd.(1/12)

Prostituée au bord de son lit vert (60x60cm) _ éd.(1/12)

Photonumérik érotik sur toile (Chaque oeuvre est numérotée et signée). 

Danse érotique kaki (60x60cm) _ éd.(1/12)

Danse érotique vert (60x60cm) _ éd.(1/12)

Danse érotique mauve (60x60cm) _ éd.(1/12)

Photonumérik érotik sur toile (Chaque oeuvre est numérotée et signée).  

Pin up agenouillée blanc (60x60cm) _ éd.(1/20)

Pin up agenouillée noir (60x60cm) _ éd.(1/20)

Pin up agenouillée vert (60x60cm) _ éd.(1/20)

Pin up agenouillée gris (60x60cm) _ éd.(1/20)